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Retrouver un morceau COMPRENDRE LA MUSIQUE CLASSIQUE 10 morceaux de musique classique vont changer votre vie dès aujourd’hui l’écoute régulière de musique classique peut contribuer à diminuer le stress, améliorer la concentration et même favoriser la créativité. Comment choisir la musique classique pour enterrement ? Guide complet la musique classique pour enterrement est souvent considérée comme la plus apte à traduire la profondeur de ce moment Ces musiques classiques connues que vous entendez partout, les musiques classiques les plus populaires Qui n’a jamais siffloté le Boléro de Ravel sans savoir d’où venait cette mélodie ? Qui n’a jamais frissonné au son de la Cinquième Symphonie Les radios de musique classique en France : laquelle est faite pour vous ? Notre comparatif complet et nos conseils Contrairement aux stations généralistes ou aux radios musicales commerciales, elles ne se contentent pas de diffuser des morceaux VOIR PLUS D'ARTICLES TÉLÉCHARGEZ GRATUITEMENT NOTRE APPLICATION DE MUSIQUE CLASSIQUE Ecoutez la musique classique gratuitement et partout dans le monde sur votre smartphone, tablette, voiture. LES PERLES À ÉCOUTER SANS ATTENDRE Fanny Mendelssohn Antonio Vivaldi Ludwig Van Beethoven Giuseppe Verdi Joseph Bologne de Saint George Amy Beach Luigi Boccherini Felix Mendelssohn DES CONCERTS EXCEPTIONNELS AVEC NOTRE PARTENAIRE CLASSICTIC Marie, Vincennes « Une radio de classique qui diffuse vraiment que du classique, j'attendais depuis des années ! Merci ! » Pierre, Avignon « Super appli qui est aussi dans ma voiture avec Apple CarPlay. Simple et ça marche partout.» Anne, Biarritz « Grande variété de compositeurs, pas de blabla inutile. Simplement la musique classique. J'aime. » Actualités de la musique classique Vincent Guyo relance le Château du Maréchal de Saxe Louise Farrenc, la compositrice qui a conquis le Conservatoire Louise Bertin, la compositrice qui a fait plier Victor Hugo Bashar Nasri Président de Dorin, le parfum né à l’ombre de Marie‑Antoinette Toute l'actualité LES ANNONCES DE LA RADIO Les petites histoires de la grande musique, la nouvelle chronique de LA GRANDE MUSIQUE par Pauline COURTIN "Les petites histoires de la grande musique", la nouvelle chronique de Pauline COURTINsur LA GRANDE MUSIQUE, la dernière née des radios de musique classique. LA GRANDE MUSIQUE récompensée au Club des D.A. LA GRANDE MUSIQUE vient d'être récompensée par le Club des D.A. pour sa campagne presse réalisée par Jésus&Gabriel La nouvelle radio LA GRANDE MUSIQUE est désormais diffusée à PARIS. Enfin une radio 100% classique ! une nouvelle radio de musique classique vient de démarrer ses émissions à Paris et en Île-de-France, avec une fréquence hertzienne en DAB+, LA GRANDE MUSIQUE bientôt diffusée à PARIS ! L’ARCOM (1) vient de sélectionner la nouvelle radio 100% musique classique, LA GRANDE MUSIQUE, pour diffuser ses programmes en DAB+ à Paris FAQ page Qu'entendez-vous par 100% musique classique ? La programmation musicale diffusée sur notre radio principale, LA GRANDE MUSIQUE, est exclusivement composée de musique classique. Comment capter LA GRANDE MUSIQUE en DAB+ à Paris Vous trouverez sur cette page tous les bons conseils pour écouter notre radio en DAB+ à Paris, chez vous ou en voiture. Avez-vous une application mobile ? Oui, nous avons une application iOS Apple , et Android Google Play . Nous avons aussi une application Amazon Alexa . Votre application fonctionne-t-elle en voiture ? 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Chaque morceau que nous diffusons est choisi avec soin pour vous offrir une expérience auditive incomparable. Vous pourrez écouter les œuvres des plus grands compositeurs, interprétées par les chefs d'orchestre et musiciens les plus talentueux de tous les temps. Notre objectif est de vous offrir la meilleure expérience radio pour accompagner tous les moments de votre vie. Que vous soyez chez vous, au travail, ou en déplacement , LA GRANDE MUSIQUE est là pour enrichir vos journées. Grâce à notre diffusion sur Internet, en FM et en DAB+, vous pouvez accéder à votre musique préférée où que vous soyez. Nous sommes passionnés par la musique classique et nous nous engageons à vous offrir la plus belle symphonie pour le film de votre vie. Écoutez-nous en direct et laissez la musique vous transporter. Aussi sur La Grande Musique, radio musique classique, opéras, radio online Écouter la radio Musique classique relaxante Musique classique pour travailler Où écouter du classique à Paris ? 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Le 24 novembre à 20h30, Laurent Couson crée "The Book of Life" en l'église Saint-Étienne-du-Mont, une œuvre traversant neuf langues et traditions spirituelles. Accompagné de la soprano libanaise Marie-José Matar et du choeur et Orchestre Sul Fiato, le compositeur signe une partition qui fait de la musique un langage universel de paix. Complice de Claude Lelouch depuis vingt-cinq ans, ancien directeur de l'Orchestre de Bangkok, Couson orchestre cette soirée annuelle devenue rendez-vous symbolique où se mêlent personnalités de toutes obédiences. Au programme : le Magnificat de Vivaldi, et Les Djinns, une création de Gabriel Fauré, puis cette œuvre-monde née de l'étude passionnée des textes sacrés et philosophiques, "The Book of Life". Un concert humanitaire dont les bénéfices soutiennent l'éducation artistique au Moyen-Orient via l'association Safe World Peace. < Retour E.Rials, rédacteur 16/11/25 Laurent Couson invite au dialogue des cultures à Saint-Étienne-du-Mont 1/1 Le 24 novembre à 20h30, Laurent Couson crée "The Book of Life" en l'église Saint-Étienne-du-Mont, une œuvre traversant neuf langues et traditions spirituelles. Accompagné de la soprano libanaise Marie-José Matar et du choeur et Orchestre Sul Fiato, le compositeur signe une partition qui fait de la musique un langage universel de paix. Complice de Claude Lelouch depuis vingt-cinq ans, ancien directeur de l'Orchestre de Bangkok, Couson orchestre cette soirée annuelle devenue rendez-vous symbolique où se mêlent personnalités de toutes obédiences. Au programme : le Magnificat de Vivaldi, et Les Djinns, une création de Gabriel Fauré, puis cette œuvre-monde née de l'étude passionnée des textes sacrés et philosophiques, "The Book of Life". Un concert humanitaire dont les bénéfices soutiennent l'éducation artistique au Moyen-Orient via l'association Safe World Peace. Facebook X (Twitter) WhatsApp LinkedIn Pinterest Copier le lien Pour aller plus loin, lire aussi l'article de notre rédaction : Laurent Couson signe “The Book of Life” : une œuvre de lumière et de paix à Saint-Étienne-du-Mont et réservation pour "The Book of Life" en l'église Saint-Étienne-du-Mont le 24 novembre à 20h30 https://www.lagrandemusique.fr/podcast-laurent-poultier-du-mesnil Précédent Écouter le direct Suivant

À Nice, Hector Berlioz reprend souffle, carnet en main, entre plage, tavernes et billard, tandis que la police le surveille avec méfiance. Il comprend enfin l'impasse de son histoire avec Marie Moke. L'inspiration revient : Roi Lear, puis Lélio, comme un sursaut après la tempête. Expulsé pour « espionnage », il rentre à Rome, puis à Paris. Harriet Smithson finira par l'épouser, Marie non — et Berlioz ne lui pardonnera jamais. < Retour E.Rials, rédacteur 28/12/25 Berlioz, l’exil à Nice avant le retour à la vie 1/1 À Nice, Hector Berlioz reprend souffle, carnet en main, entre plage, tavernes et billard, tandis que la police le surveille avec méfiance. Il comprend enfin l'impasse de son histoire avec Marie Moke. L'inspiration revient : Roi Lear, puis Lélio, comme un sursaut après la tempête. Expulsé pour « espionnage », il rentre à Rome, puis à Paris. Harriet Smithson finira par l'épouser, Marie non — et Berlioz ne lui pardonnera jamais. Facebook X (Twitter) WhatsApp LinkedIn Pinterest Copier le lien https://www.lagrandemusique.fr/podcast-pauline-courtin Précédent Écouter le direct Suivant

À Sainte-Foy-lès-Lyon, la musique classique se découvre dans une atmosphère inhabituelle, à la lumière vacillante des bougies. Le Duo Fortecello, formé d’un pianiste et d’un violoncelliste, propose un concert imaginé comme une parenthèse intimiste, où l’écoute passe aussi par le décor. Le rendez-vous s’inscrit dans le festival Sacrée Musique en Auvergne-Rhône-Alpes, qui programme cette année seize concerts dans plusieurs villes de la région. Une manière de rapprocher les œuvres et les interprètes du public, en dehors des cadres traditionnels de la salle de concert. Depuis quelques années, les concerts éclairés à la bougie se multiplient en France. Le principe repose sur une mise en scène simple : installer les musiciens dans un lieu souvent patrimonial ou inhabituel, réduire l’éclairage et laisser la musique se déployer au milieu de centaines, voire de milliers de petites flammes. Le dispositif est utilisé aussi bien pour des répertoires classiques que pour des reprises de musiques de films, de chansons ou de grands succès populaires. Les concerts Candlelight, notamment, ont largement contribué à faire connaître ce format dans de nombreuses villes, en misant sur des programmes accessibles et sur des lieux remarquables. Cette scénographie répond aussi à une évolution de la manière de consommer la culture. Le public ne cherche plus seulement un spectacle, mais une expérience identifiable, capable de réunir un contenu artistique, un cadre et une atmosphère. La lumière chaude des bougies modifie les repères habituels : elle atténue la distance entre la scène et la salle, ralentit le rythme de la soirée et invite à une forme de concentration. Sans remplacer l’écoute, le décor prépare ainsi les spectateurs à recevoir la musique différemment. À Sainte-Foy-lès-Lyon, le choix est toutefois celui d’un répertoire porté par deux instruments. Le piano et le violoncelle offrent une formation à la fois ample et proche, capable de restituer la puissance d’une œuvre comme ses nuances les plus discrètes. Le violoncelle, par son timbre grave et chaleureux, dialogue avec le piano dans une relation qui peut passer de la virtuosité à la retenue. Dans la pénombre, l’attention se concentre davantage sur les gestes, les respirations et les contrastes de l’interprétation. Cette configuration possède une histoire importante dans la musique de chambre. De Beethoven à Brahms, de Schubert à Rachmaninov, le duo piano-violoncelle a permis aux compositeurs d’explorer une conversation particulièrement expressive entre les registres. Le piano peut installer une architecture harmonique dense, tandis que le violoncelle se rapproche parfois de la voix humaine par son ampleur et sa souplesse. Même lorsque le programme s’ouvre à des arrangements ou à des œuvres plus contemporaines, cette complémentarité demeure au cœur de l’écoute. Le Duo Fortecello défend cette approche depuis plusieurs années. La formation associe le violoncelliste Philippe Argenty et la pianiste Astrig Siranossian, deux musiciens qui construisent leurs programmes autour de grands compositeurs, mais aussi de passerelles entre les styles et les époques. Dans ce type de concert, le public n’est pas seulement invité à écouter une succession d’œuvres : il est placé au cœur d’une expérience où l’acoustique, la proximité avec les artistes et la lumière participent pleinement à la représentation. La proximité modifie également la perception du travail des interprètes. Dans une grande salle, les détails d’un archet, d’une attaque de touche ou d’un échange de regards peuvent disparaître à distance. Dans un concert à la bougie, ils deviennent parfois perceptibles et donnent au public accès à la dimension physique de l’interprétation. Cette visibilité rappelle qu’une œuvre n’est jamais une matière figée : elle se reconstruit à chaque représentation, dans le rapport entre les musiciens, l’espace et ceux qui les écoutent. C’est précisément l’un des objectifs mis en avant par les organisateurs de ces concerts : rendre la musique classique moins intimidante et attirer des spectateurs qui ne fréquentent pas habituellement les salles de concert. Le prix des places, les lieux choisis et la durée resserrée des représentations participent souvent à cette volonté d’ouverture. Les programmes peuvent également mêler des œuvres connues à des pièces moins familières, afin de donner des repères au public tout en conservant une dimension de découverte. Pour les familles, les curieux ou les auditeurs débutants, le format peut constituer une première approche rassurante de la musique de chambre. Le phénomène ne se limite pas aux grandes métropoles. Des concerts à la bougie sont désormais proposés dans des églises, des chapelles, des châteaux, des théâtres ou encore des bâtiments administratifs réaménagés pour l’occasion. À Lyon, plusieurs rendez-vous de ce type ont été organisés dans des édifices historiques, notamment autour de répertoires consacrés à Vivaldi, Hans Zimmer ou à de grands compositeurs de musique de film. D’autres producteurs, comme Mille et Une Nuits, développent également des tournées nationales dans des monuments éclairés à la bougie. Cette popularité traduit une évolution des habitudes culturelles. Le concert ne se présente plus uniquement comme un moment consacré à l’interprétation musicale, mais comme une sortie complète, associant patrimoine, ambiance et découverte. Les organisateurs cherchent ainsi à créer une première rencontre avec la musique classique, parfois par l’intermédiaire d’un lieu familier ou d’un programme inspiré d’univers populaires. Pour certains spectateurs, la lumière des bougies constitue une porte d’entrée vers des œuvres qu’ils n’auraient peut-être pas choisi d’écouter dans un cadre plus conventionnel. Le festival Sacrée Musique reprend cette logique à l’échelle régionale. Avec seize concerts annoncés en Auvergne-Rhône-Alpes, il fait circuler les artistes et les répertoires dans plusieurs communes, en s’appuyant notamment sur des édifices religieux ou patrimoniaux. Cette itinérance donne aux lieux une fonction nouvelle : ils ne sont plus seulement des témoins de l’histoire locale, mais deviennent des espaces vivants de transmission et de rencontre. Le concert de Sainte-Foy-lès-Lyon s’inscrit dans ce calendrier comme une proposition à taille humaine, centrée sur la rencontre entre deux instruments et un public réuni dans une ambiance volontairement apaisée. Reste une question, souvent posée à propos de ces formats : la scénographie risque-t-elle de prendre le pas sur la musique ? Les défenseurs des concerts à la bougie y voient au contraire un moyen de renouveler l’écoute, à condition que le décor reste au service des interprètes. La réussite du dispositif dépend donc d’un équilibre entre l’émotion visuelle et l’exigence musicale, entre l’attrait du lieu et la qualité de l’acoustique. À Sainte-Foy-lès-Lyon, le Duo Fortecello entend justement faire de cette lumière un écrin plutôt qu’un spectacle autonome. Le public est invité à venir y écouter autrement, avec la promesse d’un moment musical sobre, proche et accessible.

À l’été 1876, une partie de l’Europe culturelle prend la direction de Bayreuth, en Bavière, pour assister à la création intégrale de L’Anneau du Nibelung, le grand cycle de Richard Wagner. Musiciens, écrivains, philosophes, artistes et têtes couronnées se retrouvent dans le théâtre conçu par le compositeur pour accueillir cette œuvre hors norme. Cent cinquante ans plus tard, le Ring revient au cœur de l’actualité lyrique parisienne. L’Opéra national de Paris en propose deux cycles complets en novembre 2026, à l’Opéra Bastille, tandis qu’une exposition au Palais Garnier revient sur la naissance, les métamorphoses et l’influence de cette tétralogie devenue l’un des monuments de l’histoire de la musique et du théâtre. L’Anneau du Nibelung se compose de quatre opéras : L’Or du Rhin, prologue de la saga, puis La Walkyrie, Siegfried et Le Crépuscule des dieux. L’ensemble représente plus de seize heures de musique et met en scène des dieux, des humains, des géants, des nains et des créatures fantastiques. Au centre du récit, un anneau forgé dans l’or du Rhin donne à son possesseur un pouvoir absolu, mais porte aussi une malédiction. À travers cette fable nourrie de mythologies germaniques et nordiques, Wagner explore la domination, la richesse, la violence, l’amour, la transmission et la destruction d’un ordre ancien. Le compositeur en a écrit la musique et le livret, selon une conception de l’opéra pensée comme une œuvre d’art totale, où la poésie, la musique, le théâtre, les décors et la lumière doivent former un seul langage. Cette ambition explique la longue gestation du projet : Wagner travaille au Ring pendant près d’un quart de siècle, faisant évoluer son récit au fil de ses réflexions politiques, philosophiques et esthétiques. La partition repose notamment sur un réseau de leitmotive, ces thèmes musicaux qui identifient un personnage, un objet ou une idée et se transforment avec eux. L’anneau, le Walhalla, le Rhin ou encore le désir de pouvoir deviennent ainsi des présences sonores à part entière. La création de 1876 constitue déjà un événement sans équivalent. Le premier Festival de Bayreuth réunit des personnalités venues de toute l’Europe et impose un nouveau modèle de représentation, fondé sur l’immersion et la concentration du public. Le théâtre imaginé par Wagner dissimule l’orchestre dans une fosse couverte afin de placer la scène au premier plan. Cette architecture, comme les innovations de lumière et de mise en scène, contribue à faire du Ring bien davantage qu’une suite d’opéras : une expérience artistique et collective, dont l’influence s’étendra à la musique, au cinéma et au théâtre du XXe siècle. Pour cette nouvelle production parisienne, la mise en scène a été confiée au Catalan Calixto Bieito et la direction musicale à Pablo Heras-Casado. Le chef espagnol, familier du répertoire wagnérien et régulièrement invité au Festival de Bayreuth, accompagne une distribution réunissant notamment Tamara Wilson, Elza van den Heever, Stanislas de Barbeyrac, Ève-Maud Hubeaux, Andreas Schager, Brian Mulligan et Mika Kares. Le projet entend faire résonner les thèmes du Ring avec les préoccupations contemporaines. Dans L’Or du Rhin, Calixto Bieito met en regard ceux qui détiennent le pouvoir et ceux qui en sont exclus, en faisant de la technologie et de l’exploitation des données les formes nouvelles d’une domination. La Walkyrie fait davantage place aux êtres humains, à leurs désirs et à leurs conflits, jusqu’à la guerre et à la destruction. Le metteur en scène présente cette œuvre comme une réflexion sur un monde menacé par ses propres forces. Cette lecture contemporaine devra composer avec une musique qui conserve toute sa puissance mythique : les appels de Siegfried, les affrontements de Wotan, la chevauchée des Walkyries et les grands monologues du cycle sont autant de moments où l’intime et le cosmique se rejoignent. Le Ring ne cesse ainsi de déplacer la frontière entre légende ancienne et inquiétudes modernes. Le calendrier parisien reprend la logique d’un festival. Le premier cycle s’ouvre à Bastille le 6 novembre avec L’Or du Rhin, se poursuit le 7 novembre avec La Walkyrie, puis avec Siegfried le 10 novembre et Le Crépuscule des dieux le 13 novembre. Le second cycle reprend les mêmes quatre ouvrages les 15, 17, 19 et 22 novembre. Cette organisation permet de suivre l’évolution des personnages et des motifs musicaux sur plusieurs jours, tout en conservant la continuité dramaturgique imaginée par Wagner. L’Opéra de Paris accompagne les représentations de présentations et de rencontres consacrées aux difficultés de mise en scène, aux dimensions politiques et sociales du cycle, à ses liens avec le cinéma et au rôle des leitmotive. Les quatre spectacles seront également accessibles à distance pour certaines représentations. L’Or du Rhin, le 15 novembre, et Le Crépuscule des dieux, le 22 novembre, doivent être retransmis depuis la Maison Heinrich Heine. La Walkyrie et Siegfried seront pour leur part diffusés depuis le Goethe-Institut. L’Opéra prévoit aussi une retransmission sur sa plateforme POP, afin d’élargir l’accès à une œuvre dont la durée, le prix des places et la rareté des cycles complets peuvent constituer des obstacles pour le public. Des pass spécifiques ont été conçus, avec des formules destinées notamment aux moins de 28 ans. Au Palais Garnier, l’exposition Richard Wagner : les révolutions du Ring est présentée du 27 octobre 2026 au 20 février 2027 dans la Bibliothèque-musée de l’Opéra. Organisée avec la Bibliothèque nationale de France, elle rassemble plus d’une centaine de pièces issues des collections de la BnF, de musées, d’institutions culturelles, d’artistes et de collectionneurs privés. Le parcours revient sur les origines du projet wagnérien, sur l’idée d’œuvre d’art totale, sur les conditions de sa représentation et sur la place du Ring à l’Opéra de Paris entre 1893 et 1962. Il s’intéresse également aux nouvelles mythologies inspirées par la tétralogie et à la manière dont les artistes contemporains continuent de s’en emparer. Cette double proposition, scénique et patrimoniale, rappelle que le Ring n’est pas seulement une fresque légendaire. Sa création à Bayreuth, en 1876, avait déjà suscité un événement international, attirant notamment Tchaïkovski, Saint-Saëns, Gounod, Mahler, Nietzsche ou Fantin-Latour. Sa musique et son imaginaire ont depuis marqué la peinture, le cinéma, la littérature et les arts de la scène. À Paris, l’enjeu sera désormais de faire entendre cette œuvre monumentale sans la réduire à son poids historique, et de montrer comment ses questions sur le pouvoir, la technique et l’effondrement d’un monde peuvent encore trouver une scène aujourd’hui.

À Kergrist-Moëlou, dans les Côtes-d’Armor, l’ensemble DodéKa se produira samedi 31 octobre 2026 à 20 h 30, à la salle Lein-Roch, dans le cadre du festival Klasik. Au programme : Les Saisons, un spectacle musical qui associe les cordes, la mise en scène et le mouvement. La particularité de cette formation tient aussi à son fonctionnement : DodéKa joue sans chef et par cœur, une manière de bousculer les habitudes du concert classique et de placer l’écoute collective au centre de l’interprétation. L’ensemble est né en 2018 à l’initiative de la violoniste Blandine Pruvot. Il réunit douze instrumentistes à cordes issus de conservatoires et de formations musicales européennes. Violons, altos, violoncelles et contrebasse travaillent sans direction centrale traditionnelle. Les musiciens doivent donc se regarder, s’écouter et ajuster en permanence leur jeu. Le geste, la respiration et les mouvements du groupe deviennent autant de repères que la partition. Sur son site de présentation, DodéKa explique vouloir « redonner souffle et liberté à la musique d’ensemble », en libérant les interprètes de la partition et du rapport habituel entre le chef et l’orchestre. Jouer par cœur ne relève pas ici d’un simple effet spectaculaire. La mémorisation permet aux instrumentistes de se détacher du pupitre, de suivre les mouvements du groupe et de maintenir un contact direct avec les autres comme avec le public. Dans une formation sans chef, un départ légèrement retardé, une inflexion ou une respiration peuvent modifier l’équilibre général. Cette fragilité apparente devient une force : la musique semble se construire dans l’instant, au gré des regards et des réactions de chacun. Cette organisation ne signifie pas l’absence de préparation ni de cadre. Le rôle de Blandine Pruvot, violon solo et figure artistique de la formation, reste essentiel dans la construction des interprétations. Mais l’équilibre musical repose sur une responsabilité partagée. Chaque instrumentiste participe aux décisions de tempo, de dynamique et de phrasé. Le résultat recherché est celui d’un ensemble mobile, capable de modifier son énergie au fil du concert et de faire du dialogue entre les musiciens une composante visible du spectacle. À Kergrist-Moëlou, DodéKa présentera un programme consacré aux saisons et à leur représentation musicale. La première partie s’appuie sur Las Cuatro Estaciones Porteñas, les Quatre Saisons porteñas du compositeur argentin Astor Piazzolla. Écrite entre la fin des années 1960 et le début des années 1970, cette œuvre répond à sa manière aux célèbres Quatre Saisons de Vivaldi. Piazzolla y transpose le cycle naturel dans l’univers urbain et nerveux de Buenos Aires, avec ses rythmes de tango, ses syncopes et ses contrastes de température. Le rapprochement avec Vivaldi ne se limite donc pas à une référence musicale. Là où le compositeur baroque cherchait à peindre les bruits, les climats et les transformations de la nature, Piazzolla fait entendre une saison vécue dans une grande ville sud-américaine. Les cordes y alternent tension rythmique, lyrisme et effets de percussion, dans une écriture qui exige une grande précision collective. L’interprétation de DodéKa devrait trouver dans cette partition un terrain particulièrement favorable à son approche physique et sans chef. Le spectacle comprend également La Cinquième Saison, du compositeur franco-grec Alexandros Markeas. Cette création s’inspire de l’œuvre de Vivaldi tout en s’éloignant du simple exercice de réécriture. Elle évoque les dérèglements du cycle naturel et la manière dont les saisons sont aujourd’hui perçues dans un contexte de changement climatique. Un arbre installé sur scène, dix musiciens et une danse accompagnent cette proposition, où la question écologique passe autant par les images que par les sons. La mise en scène, la lumière et la régie générale sont confiées à Juliette Mougel. L’expérience proposée ne se limite donc pas à une succession de pièces interprétées face au public. Depuis sa création, DodéKa développe un travail à la croisée de la musique et du spectacle vivant. L’ensemble collabore avec des chorégraphes, des danseurs et des metteurs en scène. Le mouvement n’est pas ajouté après coup : il fait partie de la réflexion artistique et de la manière dont les musiciens occupent l’espace. Cette démarche permet aussi de rendre plus perceptible le travail collectif d’un orchestre, souvent masqué par la présence du chef et par la disposition traditionnelle des pupitres. Le répertoire de DodéKa va de la musique baroque aux œuvres contemporaines. La formation revendique une attention particulière aux compositeurs des XXe et XXIe siècles, tout en conservant un lien avec les grandes œuvres du répertoire. Cette ouverture permet de rapprocher des écritures différentes et de faire entendre la musique classique dans des formats moins conventionnels. À Kergrist-Moëlou, le dialogue entre Vivaldi, Piazzolla et Markeas servira précisément de fil conducteur à une proposition à la fois musicale, visuelle et engagée. Le concert est organisé par l’association Klasik, qui porte le festival du même nom dans le Centre-Bretagne. La représentation est prévue à la salle Lein-Roch, rue de l’École, pour une durée annoncée d’environ une heure quinze. Les tarifs indiqués sont de 14 euros en plein tarif et de 8 euros en tarif réduit ; l’entrée est gratuite pour les moins de 16 ans. Le rendez-vous s’adresse à tous les publics, sans prérequis particulier pour découvrir le répertoire ou la forme proposée. Avec ce concert, le festival Klasik poursuit son travail de diffusion de la musique classique dans des communes éloignées des grandes salles de spectacle. Pour DodéKa, l’enjeu sera de faire entendre une musique de chambre élargie, mais aussi de montrer concrètement ce que change un orchestre sans chef : davantage de regards échangés, une attention permanente aux autres et une interprétation qui se construit sous les yeux du public. Une manière, en somme, de déplacer les codes du concert sans renoncer à l’exigence musicale.