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Publié au printemps 2026, le roman d'Éric-Emmanuel Schmitt « Juste après Dieu, il y a papa » offre une plongée poignante dans la relation complexe entre Wolfgang Amadeus Mozart et son père, Léopold Mozart. Cet ouvrage s'attache à dévoiler les nuances d'une filiation à la fois profondément humaine et artistique, mêlant admiration, dévouement, tension et émancipation. Un regard intimiste sur la relation père-fils Plutôt que de présenter Mozart uniquement comme une icône musicale du XVIIIe siècle, Schmitt choisit de le voir d'abord comme un fils sous l'ombre tutélaire de son père. Léopold Mozart, lui-même violoniste et pédagogue renommé, est dépeint comme la figure centrale et quasi divine dans le jeune Wolfgang. Le père, convaincu du caractère sacré du talent de son enfant, s'investit entièrement dans sa formation, voyant en lui un don divin qu'il doit révéler au monde. Le récit, nourri de lettres, témoignages et études musicologiques, dévoile les tournées incessantes à travers l'Europe que le père organise, à la fois pour exposer le génie de son fils et asseoir leur réputation familiale. Ce duopole intense, fusionnel mais aussi parfois tyrannique, installe un rapport ambivalent entre adoration et domination. De la vénération à la rupture : une tragédie intime Au fil du temps, l'adoration initiale de Wolfgang se mue en une tension palpable. La volonté de Léopold que son fils soit toujours le meilleur, accompagné d'une pression constante, trouve son paroxysme dans une relation où les frontières entre ambition et contrôle deviennent indistinctes. Éric-Emmanuel Schmitt dépeint cette tragédie intime avec une sensibilité particulière, soulignant les douleurs silencieuses, les reproches implicites, et le risque de voir l'amour parental prendre la forme d'une entrave. Le tournant intervient lorsque Mozart cherche à s'affranchir : installé à Vienne, il aspire à une carrière indépendante, choisissant ses œuvres, ses relations, ses amours, malgré l'opposition paternelle. Ce passage d'enfant prodige à compositeur adulte est marqué par un éloignement progressif, où la révérence cède la place à la distance et quelquefois à la rancune. Contexte historique et culturel : le XVIIIe siècle musical À travers le roman, Schmitt situe habilement cette relation dans le contexte social et artistique du XVIIIe siècle. Cette époque est celle des grandes cours européennes, où la musique classique joue un rôle essentiel dans la diplomatie et l'affirmation du pouvoir. La figure du compositeur est encore largement dépendante des commandes aristocratiques, et l'ambition de Léopold s'inscrit dans ce cadre, cherchant pour Wolfgang une reconnaissance qui dépasse la simple célébrité. Cette période, riche en bouleversements culturels, voit également émerger la notion de génie artistique autonome, un concept auquel Mozart, à travers sa quête de liberté, participe pleinement. La musique comme transcendance et guérison Une dimension clé du livre est l'idée que la musique joue un rôle presque salvateur face aux tensions familiales. Schmitt souligne, notamment dans ses interviews, que l'œuvre de Mozart est inscrite dans une transfiguration de la souffrance. Les épreuves que l'artiste traverse avec son père nourrissent la profondeur émotionnelle de ses compositions, conférant à son génie une mélancolie et une intensité qui continuent d'émouvoir les auditeurs contemporains. Cette réflexion ouvre une question universelle sur la capacité de l'art à exprimer, digérer et sublimer les douleurs intimes – un thème qui irrigue l'œuvre de Schmitt et résonne avec toute sa production littéraire. Accueil critique et portée universelle Le roman a été accueilli favorablement par les critiques et les lecteurs, apprécié pour sa double approche : accessible tant aux passionnés de musique classique qu'aux novices, il allie rigueur historique et narration romanesque. Les avis présents sur Babelio, SensCritique ou Les Libraires soulignent la force du récit : replacer le génie Mozart dans la relation filiale d'amour et de conflit avec son père offre une lecture plus humaine et plausible. Au-delà de la figure emblématique du compositeur, le livre invite à réfléchir sur les dynamiques familiales, le poids des attentes parentales, et la difficulté de se libérer tout en restant fidèle à son héritage. Conclusion : une œuvre qui résonne aujourd’hui « Juste après Dieu, il y a papa » d’Éric-Emmanuel Schmitt élève un pan méconnu du mythe Mozart, celui d’une relation familiale source d’inspiration et de conflit. Par son écriture sensible et documentée, l’auteur apporte une nouvelle lumière sur cette histoire d’amour filial douloureux, incitant le lecteur à interroger ses propres liens familiaux et la quête d’émancipation. Dans un monde où la transmission reste un enjeu fondamental, ce livre trouve un écho tout particulier. L’œuvre promet de nourrir discussions, rencontres et réflexions sur le rôle des parents dans l’émergence du génie et la construction identitaire, faisant la preuve que derrière toute grande figure se dissimule une histoire intime tout aussi captivante.

À Bordeaux, l'Opéra National semble ouvrir un chapitre inédit de son histoire avec l'élection d'Anne Fahmy à la présidence de son conseil d'administration, officialisée le 7 mai 2026. Ce changement de gouvernance ne se limite pas à une simple transition administrative : il incarne une volonté manifeste de conjuguer excellence artistique, ouverture démocratique et enracinement territorial au cœur de la métropole bordelaise. Une gouvernance renouvelée au service de la culture locale Anne Fahmy, élue bordelaise polyvalente, termine son parcours de juriste spécialisée en droit européen de la concurrence pour embrasser un engagement passionné dans la vie locale et culinaire. Maire adjointe en charge de l'éducation, de l'enfance, des politiques alimentaires et du quartier Bordeaux Centre, elle se distingue par une expertise singulière, mêlant rigueur institutionnelle et sens aigu de la transmission par ses activités de cheffe indépendante. À ses côtés, Nathalie Bois Huyghe, adjointe au maire chargée de la culture et des mémoires, occupe le poste stratégique de vice-présidente, rappelant la forte implication municipale dans la gouvernance culturelle de la ville. L'Opéra National de Bordeaux : un joyau culturel et son rôle dans la métropole Installé au cœur du Grand Théâtre, place de la Comédie, l'Opéra National de Bordeaux est une institution phare mêlant opéra, ballet et orchestre symphonique. Sa programmation marie œuvres classiques et créations contemporaines, proposant une diversité artistique riche et accessible. Outre les représentations, l'établissement développe des projets éducatifs ambitieux, visant à rapprocher les habitants de tous horizons des arts lyriques et chorégraphiques. Une mission d’ancrage territorial et d’ouverture sociale Le renouvellement à sa présidence traduit aussi une stratégie de gouvernance partagée entre la Ville de Bordeaux et l'institution, épousant pleinement les priorités municipales qui valorisent l'accès à la culture pour tous, la transition écologique des équipements, ainsi que l'investissement dans les quartiers par des actions hors les murs. Ce lien direct avec le tissu social local stimule l'expansion de l'Opéra au-delà de son écrin historique. Un profil atypique, un engagement fort pour la pédagogie et la durabilité Le parcours d’Anne Fahmy est à la croisée d’expériences multiples, ce qui nourrit une vision holistique pour la présidence de l'Opéra. Ancienne juriste ardue, elle a su concilier l’exigence technique avec la créativité, notamment à travers sa reconversion dans la cuisine et la pâtisserie. Cette double expertise inspire une gouvernance pragmatique et innovante, attentive aux circuits courts et à la pédagogie participative. Une nouvelle dynamique pour l’Opéra Lors de son élection, la présidente a exprimé « l’immense honneur et la très grande responsabilité » que représente sa fonction, tout en rappelant son ambition d’œuvrer en étroite collaboration avec les équipes afin d'assurer une saison artistique à la fois exigeante et inclusive. Nathalie Bois Huyghe renforce cette dynamique en plaidant pour une culture « à la fois exigeante et accessible », avec une prise en compte accrue des mémoires et diversités urbaines dans les programmations et actions. Les défis et perspectives à venir pour l’Opéra National de Bordeaux Le contexte actuel appelle l’Opéra à relever plusieurs enjeux majeurs : maintenir la qualité artistique reconnue internationalement, démocratiser l’accès aux spectacles pour des publics variés, assurer une gestion budgétaire rigoureuse face à la hausse des coûts, et renforcer la place du théâtre dans l'écosystème culturel bordelais et régional. La conjugaison des savoir-faire d’Anne Fahmy et de Nathalie Bois Huyghe offre un cadre propice aux innovations audacieuses et à la consolidation des partenariats, notamment avec d'autres institutions comme les musées ou les festivals locaux. Un rayonnement accru au service du territoire et de l’Europe La maison d’opéra, accueillant l’Orchestre National Bordeaux Aquitaine, le Ballet et le Chœur, ambitionne aussi d’accroître sa visibilité à l’échelle nationale et européenne, tout en poursuivant son engagement écologique et sa politique d’inclusion sociale. Les nouvelles actions pédagogiques et de médiation envisagées permettront de renforcer les liens avec les scolaires, les associations et les quartiers populaires, prolongement naturel de la vocation éducative déjà fortement investie par la municipalité. Réception médiatique et attentes du public Les médias régionaux et spécialisés ont salué la nomination d’Anne Fahmy comme une prise de fonction porteuse d’innovations culturelles et sociales. Son profil atypique attire l’attention, et son engagement municipal inspire confiance quant à la continuité d’un projet culturel intégrant le public et les acteurs locaux. La collaboration étroite entre la Ville et l’Opéra sera considérée comme un levier clé pour renforcer le financement public, développer le mécénat privé et proposer une offre artistique en phase avec les attentes contemporaines. Conclusion : une présidence promise à écrire une nouvelle page du rayonnement bordelais Ainsi, l’Opéra National de Bordeaux, sous la houlette d’Anne Fahmy, s’apprête à conjuguer tradition et modernité, excellence artistique et politique culturelle innovante. Cette nouvelle ère ambitionne d’écrire avec les Bordelais un récit culturel riche, dynamique et inclusif, à la fois reflet de l’histoire locale et expression de la vitalité contemporaine. Sources : Bouger à Bordeaux, Opéra National de Bordeaux, Le Journal des Entreprises, Les Échos Judiciaires Girondins, Ville de Bordeaux, LinkedIn Anne Fahmy, Info Bordeaux.

À Nice, l’Opéra Nice Côte d’Azur vient de révéler une programmation d’exception pour sa saison 2026-2027, s'étalant de l’automne 2026 au printemps 2027. Lors d’une conférence de presse au grand foyer du théâtre, suivie en direct sur les réseaux sociaux, cinq œuvres emblématiques du répertoire lyrique ont été présentées : Orlando de Haendel, La Veuve joyeuse de Lehár, Tristan et Isolde de Wagner, Manon Lescaut de Puccini et Pagliacci de Leoncavallo. Ces productions, portées par des équipes artistiques reconnues sur la scène européenne, s'inscrivent dans une volonté affirmée de proposer une saison ambitieuse et accessible. Un positionnement stratégique dans un paysage opératique en transformation Dans un contexte où les maisons d’opéra françaises et européennes cherchent à se renouveler, l’Opéra de Nice a amorcé depuis plusieurs saisons une politique audacieuse mêlant abonnement repensé, modernisation de son image via les réseaux sociaux, et programmation ouverte aussi bien aux amateurs chevronnés qu’aux spectateurs occasionnels. Cette saison 26/27 est également riche en événements participatifs, avec notamment un festival cosplay en ouverture qui invite à une approche ludique et immersive de l’opéra. Cette stratégie témoigne de l'ambition de l'institution de dépasser les frontières traditionnelles du genre et de toucher un public élargi sur la Côte d’Azur, région où la concurrence culturelle et touristique est intense. Orlando de Haendel : un voyage baroque entre raison et folie Le coup d’envoi de la saison lyrique sera donné par Orlando, un chef-d’œuvre de Georg Friedrich Haendel inspiré du Roland furieux de l’Arioste. Programmée du 30 septembre au 6 octobre 2026, cette production, mise en scène par Mariame Clément et dirigée musicalement par Jean-Christophe Spinosi, est une coproduction avec l'Opéra de Lausanne et le Teatro de la Maestranza de Séville. La mise en scène, déjà saluée lors de sa création à Lausanne, exploite pleinement l’univers baroque pour explorer un récit mêlant amour, jalousie et folie dans une tonalité à la fois dramatique et visuelle. La distribution réunit des artistes spécialistes du répertoire baroque, garantissant une interprétation authentique et vibrante. Contexte historique et richesse musicale Composé au début du XVIIIe siècle, Orlando est représentatif de l’opéra baroque italien, mêlant récitatifs et airs virtuoses. La partition offre une palette émotionnelle intense, soulignant les travers du héros à travers la musique. La production niçoise promet d’en restituer la complexité, naviguant entre sobriété et démesure, faisant ainsi écho au caractère dérangé du personnage principal. La Veuve joyeuse : une immersion festive dans la Belle Époque Quelques semaines plus tard, du 11 au 13 novembre 2026, l’Opéra accueillera La Veuve joyeuse de Franz Lehár, dirigée par Nicolas André et mise en scène par Benoît Benichou. Ce classique de l’opérette viennoise sera proposé dans une ambiance immersive, où le théâtre se transforme en un élégant bal mondain rappelant la fête fastueuse de la Belle Époque. Cet opus, très apprécié du public, apporte une tonalité légère et festive à la saison et illustre parfaitement le goût de Nice pour un équilibre entre répertoire majeur et succès populaires. Tristan et Isolde : une immersion dans le drame wagnérien L’un des événements majeurs de la saison sera la production de Tristan et Isolde de Richard Wagner. Confiée au chef Marko Letonja et mise en scène par le réalisateur et cinéaste Bertrand Bonello, cette œuvre monumentale sera présentée dans une nouvelle vision scénique, reflet de la profonde exploration dramatique du couple tragique. Cette programmation rare pour une maison de taille moyenne s'inscrit dans un mouvement européen de redéploiement du répertoire wagnérien hors des très grandes maisons, offrant au public niçois une expérience dramatique et sonore d’une grande intensité. Manon Lescaut : portrait italien d’une femme déchirée Le printemps 2027 mettra en avant Manon Lescaut de Giacomo Puccini, un passage obligé du répertoire italien, programmé du 30 avril au 6 mai 2027. Placée sous la direction musicale d’Ariane Matiakh et la mise en scène d’Oliver Mears, cette production, résultat d’une collaboration internationale, prolongera l’écho des passions déchirantes avec une distribution et un travail scénique de premier plan. L’œuvre, qui dépeint la montée et la chute tragique d’une femme en quête d’amour et de fortune, fera vibrer le public par son intensité émotionnelle et sa richesse musicale. Pagliacci : clôture spectaculaire dans le vérisme Enfin, la saison se clôturera du 25 au 30 mai 2027 avec Pagliacci de Ruggero Leoncavallo, une œuvre phare du vérisme italien. Proposée seule pour pleinement développer son intrigue de jalousie meurtrière au sein d’une troupe de théâtre ambulant, cette production promet une conclusion vibrante, mêlant intensité dramatique et musicalité populaire, chère au cœur des amateurs d’opéra. Vers une saison d’équilibre entre ambition artistique et ancrage local L’analyse de cette saison révèle un équilibre réfléchi entre grands classiques européens, ambition artistique, coproduction internationale et une volonté claire de fidéliser un public varié. Elle mise sur l’attractivité d’œuvres connues et sur la mise en avant d’équipes artistiques reconnues, tout en proposant des approches innovantes de mise en scène pour renouer avec l’imaginaire et le récit. La communication digitale, via Facebook, Instagram ou YouTube, illustre cette volonté de faire vivre une expérience immersive et émotive, invitant le public à « dépasser le réel » avec des histoires d’amour, de tragédie et de fête. Les réactions initiales témoignent d’un accueil enthousiaste, soulignant le succès de la nouvelle ligne éditoriale de l’Opéra Nice Côte d’Azur. Reste à confirmer l'impact sur la fréquentation et l’engagement des publics dans le temps, mais les perspectives s'annoncent prometteuses pour cette maison d’opéra qui se positionne comme un acteur incontournable de la scène lyrique méditerranéenne et européenne.

À Paris, l’Opéra Bastille présente du 28 mai au 14 juin 2026 une création aussi attendue qu’inattendue : la première mise en scène moderne d’Ercole amante, unique opéra connu de la compositrice vénitienne Antonia Padoani Bembo, écrit en France en 1707. Porté par le chef Leonardo García Alarcón et la metteuse en scène Netia Jones, ce spectacle installe, pour quelques semaines, le nom encore méconnu d’Antonia Bembo sur l’une des plus grandes scènes lyriques du monde, bouclant ainsi un long voyage de plus de trois siècles entre l’oubli et la pleine lumière. Un chef-d'œuvre baroque au cœur de la cour de Louis XIV Pour saisir la portée de cette entrée au répertoire, il faut revenir au contexte d’Ercole amante. Le livret, signé du poète Francesco Buti, a d’abord été mis en musique par Francesco Cavalli pour célébrer le mariage de Louis XIV et de Marie‑Thérèse d’Autriche. L’œuvre est créée à Paris en 1662, dans la monumentale Salle des Machines des Tuileries, après plusieurs reports liés aux difficultés techniques et politiques du moment. À l’époque, le pouvoir royal mise sur un opéra italien spectaculaire pour exalter la figure d’Hercule, assimilée à celle du jeune souverain. Quelques décennies plus tard, c’est ce même livret que reprend Antonia Bembo, formée auprès de Cavalli, pour composer à son tour un Ercole amante, en 1707, cette fois au cœur de la cour de France où elle vit en exil et sous la protection du Roi‑Soleil. Entre la version de Cavalli et celle de Bembo, se lit en creux l’évolution des goûts musicaux et des équilibres culturels entre l’Italie et la France. Antonia Bembo : une compositrice en exil et pionnière du baroque Antonia Padoani Bembo naît à Venise vers 1640 dans une famille aisée, son père étant médecin. Très tôt, elle se forme au chant et à la composition, au point d’intégrer le cercle de Francesco Cavalli, figure majeure de l’opéra vénitien du XVIIe siècle. Mariée à un homme dont les archives laissent entrevoir la brutalité, la musicienne finit par quitter la Sérénissime, vraisemblablement dans les années 1670, pour gagner Paris. Plusieurs travaux biographiques, dont ceux synthétisés par la musicologue Claire Fontijn, convergent : c’est à la fois pour échapper à un mari violent et pour trouver un espace de création qu’Antonia Bembo sollicite la protection de Louis XIV. Arrivée à la cour, elle auditionne devant le roi comme chanteuse, obtient une pension et se voit logée probablement au sein de la communauté des Dames de la Madeleine de Traisnel. Ses partitions, conservées aujourd’hui à la Bibliothèque nationale de France, témoignent d’une activité soutenue : motets, cantates, pièces instrumentales et cet opéra, Ercole amante, où se cristallise son langage le plus ambitieux. Une redécouverte moderne de l’œuvre La redécouverte de cette musique est récente. Longtemps, le nom d’Antonia Bembo ne circulait que dans quelques travaux universitaires ou catalogues spécialisés. Il a fallu attendre le début du XXIe siècle pour que ses œuvres soient éditées et enregistrées, puis 2023 pour qu’Ercole amante soit donné en concert pour la première fois en Allemagne, à Stuttgart, puis à San Francisco, sous l’impulsion d’ensembles baroques comme Il Gusto Barocco ou Ars Minerva. « Avec L’Ercole amante, Antonia Bembo met en lumière un joyau oublié de l’opéra baroque, une musique d’une beauté fascinante et d’une modernité surprenante », souligne ainsi un texte de présentation de l’ensemble Il Gusto Barocco, qui a défendu la partition au disque. C’est dans ce mouvement international de redécouverte des compositrices baroques, de Barbara Strozzi à Élisabeth Jacquet de La Guerre, que s’inscrit aujourd’hui la production de l’Opéra national de Paris. Une production scénique ambitieuse à Bastille Sur le plateau de Bastille, Leonardo García Alarcón retrouve un univers qu’il connaît bien. Huit ans après le succès de sa version des Indes galantes de Rameau, le chef argentin dirige pour la maison parisienne cette création scénique d’Ercole amante, à la tête de son ensemble Cappella Mediterranea et des Chœurs de l’Opéra de Paris. Dans la note de programme publiée par l’institution, il décrit une musique « à la croisée des mondes », où se mêlent le théâtre chanté italien, avec ses récitatifs expressifs et ses airs virtuoses, et les couleurs de la tragédie lyrique française, héritées de Lully. La distribution vocale réunit de jeunes chanteurs et des habitués du répertoire baroque, pour incarner la figure d’Hercule, sa femme Déjanire, son fils Hyllus et la princesse Iole, objet de tous les désirs. Un livret à la tension psychologique et à la dimension féminine Le livret met en scène un Hercule tout sauf triomphant. Vainqueur de monstres et de guerres, le héros légendaire se révèle impuissant face à un amour contrarié. Tombé éperdument amoureux d’Iole, fille du roi d’Echalie qu’il a lui‑même tué, Hercule souhaite l’épouser. Mais la jeune femme aime Hyllus, le fils du demi‑dieu, et entend rester fidèle à cette promesse. Dans ce palais isolé où se croisent humains et divinités, les intrigues amoureuses se nouent et se défont, tandis que Vénus et les dieux s’ingèrent dans les affaires des mortels. La version d’Antonia Bembo accentue, selon les spécialistes, la dimension psychologique de ces conflits et donne une place importante aux personnages féminins, dont les airs laissent affleurer la douleur, la colère ou la détermination. « Sa musique reflète la confrontation de son esprit vénitien avec le paysage sonore français du règne de Louis XIV », résume le New Muses Project, qui s’est penché sur l’esthétique de la compositrice. Une mise en scène contemporaine et engagée Pour la mise en scène, Netia Jones, artiste britannique habituée aux dispositifs mêlant vidéo, lumière et scénographie épurée, a choisi de jouer précisément sur cette tension entre mythe et modernité. Dans ses prises de parole en amont de la première, elle évoque un « opéra du pouvoir vieillissant », où un homme encore tout‑puissant ne parvient plus à contenir ses désirs ni à entendre le refus. Elle transpose cette fable baroque dans un univers visuel où les dieux ne sont plus seulement des figures allégoriques, mais des forces qui observent et commentent les dérives d’un chef accoutumé à ce qu’on lui cède. La chorégraphe Maud Le Pladec, également associée au projet, fait quant à elle dialoguer le mouvement des corps avec la polyphonie serrée de la partition, en cherchant moins l’illustration que la mise à nu des rapports de domination et de séduction qui traversent l’œuvre. Une avancée majeure pour la visibilité des compositrices Au‑delà du cas d’Antonia Bembo, cette production s’inscrit dans un mouvement plus large des maisons d’opéra, désireuses de rééquilibrer leur programmation en direction de répertoires négligés et, en particulier, des compositrices. Longtemps, les œuvres de ces dernières sont restées dans l’ombre, faute de soutien institutionnel et de diffusion. « Peut‑être que les compositrices ne suscitaient pas le même intérêt qu’aujourd’hui, peut‑être qu’un opéra, c’est lourd à monter et à produire ? », s’interrogeait récemment, sur franceinfo, Mathias Auclair, directeur du département de la musique de la Bibliothèque nationale de France, en rappelant combien il a fallu de temps pour que la partition d’Ercole amante sorte des archives. Voir aujourd’hui cette musique prendre vie sur la grande scène de Bastille, dans une production de grande envergure, est l’un des signes visibles de ce changement de regard. Un impact international et des perspectives prometteuses L’impact de cette redécouverte se mesure déjà à l’international : les premières exécutions en Allemagne et aux États‑Unis ont suscité des comptes rendus élogieux, saluant une écriture dramatique efficace et une inspiration mélodique singulière, entre Italie et France. La production parisienne, en offrant à l’œuvre un écrin scénique et une exposition médiatique sans commune mesure, pourrait contribuer à installer durablement Antonia Bembo dans le paysage baroque, aux côtés des compositeurs traditionnellement programmés. Elle pose aussi, en filigrane, une question plus large : combien de partitions de cette ampleur, écrites par des femmes aux XVIIe et XVIIIe siècles, attendent encore d’être exhumées des bibliothèques pour rejoindre pleinement les scènes ? L’avenir d’Ercole amante et d’Antonia Bembo À l’issue de cette série de représentations de fin de saison, Ercole amante rejoindra les archives de l’Opéra de Paris, aux côtés des grandes productions qui ont jalonné son histoire récente. Mais la trajectoire de cette œuvre, écrite par une compositrice en exil bénéficiant d’une pension royale, puis oubliée pendant trois siècles avant de réapparaître en concerts puis sur scène, laisse entrevoir d’autres prolongements. D’éventuelles reprises dans d’autres maisons, de nouvelles recherches musicologiques, des enregistrements supplémentaires pourraient prolonger cette « résurrection » lyrique. En levant le voile sur le talent d’Antonia Bembo, l’Opéra Bastille ne se contente pas de corriger une injustice de l’histoire musicale : il nourrit un mouvement de fond qui interroge les contours mêmes du répertoire et la place qu’y occupent, ou non, les créatrices d’hier et d’aujourd’hui.

À Nancy, l’Opéra national de Lorraine a levé le voile, jeudi 28 mai 2026, sur les grandes lignes de sa saison 2026‑2027 lors d’une conférence de presse organisée dans la capitale meurthe-et-mosellane. Aux côtés des représentants de la Ville, dont l’adjoint délégué à la culture Bertrand Masson, le directeur général et artistique de l’institution, Matthieu Dussouillez, a présenté une programmation qu’il veut résolument pensée autour de l’« altérité » et de l’« équilibre », dans une maison qui affiche par ailleurs des signes encourageants de renouvellement de son public. Selon lui, l’âge moyen des spectateurs se situe désormais à 49 ans et la fréquentation étudiante est en hausse, confirmant, dit-il, « une vraie appétence pour l’opéra » chez les jeunes générations. Une stratégie artistique profondément ancrée Cette nouvelle saison s’inscrit dans la continuité du travail engagé ces dernières années à Nancy pour faire de l’Opéra national de Lorraine un acteur majeur de la vie culturelle régionale et un interlocuteur reconnu sur la scène européenne. Installée sur la place Stanislas, au cœur du centre historique, l’institution bénéficie d’un label national et travaille de longue date en lien étroit avec d’autres structures, comme le CCN – Ballet de Lorraine, également basé à Nancy. Ensemble, elles défendent une ligne artistique qui conjugue grands titres du répertoire lyrique, créations contemporaines, partenariats internationaux et actions de médiation renforcées. Matthieu Dussouillez, qui dirige la maison depuis 2019, revendique une programmation « construite sur l’idée de la rencontre avec l’autre », comme il l’a rappelé dans plusieurs interventions publiques, citée notamment par l’hebdomadaire régional La Semaine. Cette orientation se traduit par une attention portée à la diversité des esthétiques, des époques et des formes scéniques, mais aussi à la place faite à de nouveaux publics, notamment scolaires et étudiants. Cette exigence artistique s’appuie également sur une politique engagée de diversification des talents, donnant la parole à des metteurs en scène et chefs d’orchestre issus de la jeune génération européenne, ce qui favorise un renouvellement des perspectives artistiques au sein de la maison. Le mot d’ordre : l’équilibre Au cœur de la saison 2026‑2027, l’équipe de l’Opéra met en avant un mot d’ordre : l’équilibre. Lors de la présentation nancéienne, Matthieu Dussouillez a insisté sur cet axe structurant, évoquant « l’équilibre entre les esthétiques, entre les genres, entre les siècles, entre l’émergence artistique et l’international ». Concrètement, la saison joue sur plusieurs registres. Elle s’ouvrira avec un grand titre du répertoire, « Otello » de Giuseppe Verdi, dans une coproduction avec l’Opéra national du Rhin et une reprise prévue au Grand Théâtre de Luxembourg, comme l’ont relevé plusieurs médias régionaux. « Otello », œuvre majeure du répertoire romantique italien, est l'occasion pour l'Opéra national de Lorraine d’aborder des thématiques sociétales fortes. Le drame, axé autour du meurtre de Desdémone, sera accompagné d’un important travail de contextualisation, destiné à replacer le récit dans les enjeux contemporains liés à la lutte contre les violences faites aux femmes ainsi qu’à une réflexion approfondie sur les représentations symboliques de la jalousie et du pouvoir. Ces clés de lecture viendront enrichir l'expérience du spectateur et alimenter des débats essentiels pour une meilleure compréhension de l’opéra aujourd’hui. Une saison entre grands classiques et créations novatrices La programmation, qualifiée de « dense » par La Semaine, proposera un savant mélange entre grands classiques et ouvrages plus rares, créations et reprises. L’idée de dialogue entre les siècles se traduit par une palette d’œuvres allant du répertoire romantique et vériste jusqu’à des compositions contemporaines, signées par des jeunes talents de la scène lyrique européenne. Cette dynamique artistique est renforcée par de nouveaux partenariats internationaux. Le réseau de coproducteurs s’étoffe, incluant notamment des collaborations consolidées avec l’Opéra national du Rhin, ainsi que des maisons luxembourgeoises, permettant de porter des projets plus ambitieux tant artistiquement que financièrement. La circulation des productions et des artistes à travers ces collaborations internationales favorise un rayonnement accru de l’Opéra national de Lorraine sur la scène européenne. Une offre diversifiée pour multiplier les publics Au-delà de la seule programmation lyrique, la saison 2026‑2027 intègre également une richesse de concerts, ballets, spectacles destinés au jeune public ainsi que des formats dits « fantaisies », désignant des propositions plus atypiques et expérimentales, mises en avant dans les vidéos de présentation diffusées sur les réseaux sociaux de l’Opéra. Cette diversité vise à toucher une audience plus large, des amateurs d’orchestre symphonique, aux familles cherchant des spectacles accessibles, jusqu’aux curieux intéressés par des démarches artistiques originales. La médiation culturelle constitue un volet essentiel de la saison, avec de nombreuses prestations accompagnées de rencontres avec les artistes, d’introductions musicales ou d’ateliers éducatifs. Ces dispositifs sont conçus pour rendre l’opéra plus accessible et pour encourager un dialogue direct entre le public et les créateurs, renforçant ainsi le lien entre l'institution et ses spectateurs. Un public renouvelé et une politique de démocratisation Une des spécificités mises en avant lors de la présentation est la dynamique de fréquentation, particulièrement marquée par une augmentation notable du public étudiant. Un signe clair, selon Matthieu Dussouillez, que l’opéra ne demeure plus le patrimoine exclusif d’une élite âgée. L’âge moyen du public, actuellement à 49 ans, témoigne d’un rajeunissement progressif, auquel la maison souhaite apporter un nouvel élan. Pour soutenir cette évolution, une politique tarifaire adaptée a été instaurée ainsi que des actions ciblées à destination des moins de 30 ans, relayées notamment au sein des universités et établissements scolaires de l’académie Nancy‑Metz. Le lancement de saison dédié aux enseignants, prévu pour le 10 juin en partenariat avec le rectorat, illustre le travail de fond mené pour favoriser l’intégration de l’opéra dans les cursus scolaires et encourager la venue des classes autour des projets pédagogiques proposés. Un soutien institutionnel et les défis à relever Lors de la conférence, l’adjoint à la culture Bertrand Masson a salué l'exigence artistique et culturelle de l'Opéra national de Lorraine, considérée comme un gage de sa réputation en France et en Europe. Ce soutien s’avère crucial alors que les institutions culturelles doivent composer avec des contraintes budgétaires délicates, tout en adaptant leurs activités aux nouveaux usages culturels et à la transformation des publics. La collaboration entre la municipalité, l’Opéra, le CCN – Ballet de Lorraine, et d’autres partenaires locaux est régulièrement mise en avant comme un levier stratégique pour renforcer l’offre culturelle locale et diversifier les audiences. La saison 2026‑2027 apparaîtra ainsi comme un test important de cette approche collective, avec des enjeux mesurables en termes de fréquentation, de visibilité nationale, et de rayonnement à l’international. Perspectives pour l’avenir En filigrane, la saison 2026‑2027 soulève plusieurs questions cruciales : comment maintenir l’équilibre revendiqué entre grandes œuvres classiques et créations audacieuses, tout en tenant compte des réalités financières et logistiques des coproductions ? Comment seront reçues par le public les initiatives de contextualisation et de sensibilisation autour de chefs-d’œuvre comme « Otello », notamment dans le cadre des débats contemporains sur les représentations du genre et des violences associées ? Le succès de la maison dépendra également de sa capacité à poursuivre le renouvellement de ses publics, en invitant plus de spectateurs à découvrir l’opéra, même ceux qui n’y seraient pas spontanément sensibles, tout en continuant d’offrir une programmation de haute exigence artistique. La saison récemment dévoilée marque un jalon important dans le projet porté par Matthieu Dussouillez et son équipe, alliant fidélité au répertoire, engagement contemporain, et désir d’ouverture vers une société en mouvement.

Du vendredi 29 au dimanche 31 mai 2026, l’Opéra national de Paris ouvre exceptionnellement ses portes au grand public pour une braderie hors du commun, au sein de la salle modulable de l’Opéra Bastille. Pendant trois jours, plus de 5 000 costumes et accessoires issus des riches productions lyriques et chorégraphiques seront proposés à la vente, offrant une occasion rare de s’approprier un morceau tangible de l’histoire du célèbre théâtre parisien. Une plongée au cœur du patrimoine matériel de l’Opéra Chaque saison, les ateliers de l’Opéra produisent environ 4 500 costumes, répartis entre l’Opéra Bastille et le Palais Garnier. Conservés précieusement dans des réserves immenses, plus de 300 000 éléments de costumes témoignent de décennies de créations artistiques. Cette braderie exceptionnelle permet d’ouvrir ces coulisses invisibles au grand public et de faire découvrir le travail minutieux des artisans de la maison, souvent méconnu. Des pièces uniques à petits prix Les visiteurs auront le plaisir de fouiller parmi une multitude de pièces uniques ou en petites séries : robes, vestes, capes brodées, plastrons, coiffes, uniformes, costumes de chœur, ainsi que de nombreux accessoires. Les prix varieront de 2 à 800 euros selon la rareté, la qualité et l’état des pièces, accessibles moyennant une réservation préalable et une entrée modérée autour de dix euros par créneau horaire. La dynamique de vente s’apparente à celle d’un grand marché aux trésors, où la découverte et l’émotion priment sur la compétition. Un regard sur les grandes productions représentées La diversité esthétique est au rendez-vous, grâce à une sélection de costumes issus de mises en scène célèbres de ces dernières décennies. On retrouvera notamment des pièces d’exception provenant d’« Eugène Onéguine » mis en scène par Willy Decker, « Les Capulet et les Montaigu » confié à Robert Carsen, « Eliogabalo » de Thomas Jolly et « Les Indes galantes » sous la direction d’Andrei Șerban. Les amateurs de ballet pourront quant à eux s’émerveiller devant des costumes issus d’« AIR » de Saburo Teshigawara, « Coppélia » de Pierre Lacotte, ou encore « Psyché » d’Alexeï Ratmansky. Un savoir-faire artisanal au service de l’art lyrique L’événement met en lumière le rôle essentiel des ateliers de costumes, où costumiers, modistes, tailleurs, brodeurs et perruquiers transforment les visions des metteurs en scène en œuvres textiles fascinantes. Chaque pièce raconte une histoire unique, reflet d’un travail artisanal minutieux qui participe pleinement à la magie du spectacle vivant. Le costume, un acteur à part entière Au-delà de leur fonction première, ces costumes deviennent des témoins vivants du temps présent et passé de l’Opéra. Pour certains, acquérir un costume signifie prolonger l’émotion d’une soirée inoubliable, pour d’autres, c’est une source d’inspiration créative dans la mode, le théâtre amateur, ou le design d’intérieur. Vers une gestion durable du patrimoine scénique Cette démarche s’inscrit également dans une logique responsable de gestion durable du patrimoine matériel des grandes institutions culturelles. Limiter l’entreposage excessif tout en offrant une nouvelle vie à ces pièces permet de conjuguer conservation, réemploi et accessibilité culturelle. Si la braderie est ponctuelle, elle pourrait ouvrir la voie à d’autres initiatives similaires, renforçant le lien entre l’Opéra et son public. Informations pratiques pour participer à l'événement Pour accéder à cette vente exceptionnelle, les réservations se réalisent sur le site officiel de l’Opéra national de Paris depuis la mi-mai, par créneaux horaires afin d’assurer un confort optimal de visite et une circulation sécurisée. Un réassort sera proposé tout au long du week-end, garantissant un choix renouvelé et une expérience enrichissante même pour les visiteurs des derniers jours. Ce rendez-vous rare donne ainsi une opportunité unique aux passionnés de musique, de mode, et d’histoire culturelle d’acquérir une véritable pièce de patrimoine, en mêlant passion, curiosité et découverte au cœur de l’univers féérique de l’Opéra de Paris.

Présenté hors compétition au 79e Festival de Cannes en mai 2026, « L’Objet du délit » marque le retour d’Agnès Jaoui derrière la caméra, cette fois en solo, sans Jean-Pierre Bacri. Cette comédie dramatique chorale de plus de deux heures s’immerge dans les coulisses d’un opéra phare, Les Noces de Figaro de Mozart, via une troupe confrontée à une accusation d’agression sexuelle. Le film fait écho aux débats contemporains suscités par le mouvement #MeToo dans le spectacle vivant, en particulier dans le monde hiérarchisé de l’opéra. Un parallèle audacieux entre œuvre classique et actualité sociale Le choix des Noces de Figaro comme toile de fond est une source de résonances forte. Depuis le XVIIIe siècle, cette œuvre interroge « le droit de cuissage » et les rapports de pouvoir entre classes et sexes. Dans le film, ce répertoire devient un miroir indirect des enjeux modernes liés aux violences sexuelles et aux abus dans les maisons d’opéra, un sujet dévoilé au grand jour depuis 2017 avec les révélations #MeToo dans les conservatoires et orchestres. Un récit choral incarné par des caractères multiples Le récit s’ouvre sur Mirabelle, une jeune influenceuse et productrice d’opéra interprétée par Claire Chust, qui rassemble autour d’elle professionnels confirmés, artistes en devenir et militants féministes. À travers cette diversité de profils – du chef d’orchestre joué par Daniel Auteuil à la chanteuse vieillissante campée par Agnès Jaoui – le film explore le conflit entre exigence artistique et tensions humaines, dans une ambiance mêlant chaos créatif, luttes de pouvoir et enjeux de réputation. Traiter #MeToo sans manichéisme : un équilibre subtil Lorsque surgit la dénonciation d’une agression, la troupe vacille. Le film choisit de ne pas montrer l’« objet du délit » mais s’attarde sur le trouble, le doute, la division. Entre inquiétude pour la justice, défense du projet artistique et pression des réseaux sociaux, Jaoui ne tranche pas entre bons et mauvais. Plusieurs critiques ont souligné ce choix, parfois perçu comme une force incarnant la complexité des situations, parfois critiqué comme un flou sur la gravité des violences. Une mise en scène nourrie par l’expérience personnelle Formée au chant et familière du milieu lyrique, Agnès Jaoui investit le film d’une intimité rare avec l’univers capturé. Dans des interviews, elle explique avoir voulu filmer le son, les corps et les liens interpersonnels ainsi que faire dialoguer fiction et réalités d’opéra. Cette immersion donne au long métrage une authenticité significative, qui restitue aussi bien les détails techniques que les ambiances humaines du plateau. Réception médiatique et enjeux culturels La critique dépeint un film intelligent et nuancé, à la hauteur des dialogues ciselés et du vivre-ensemble fracturé. Si certains médias saluent la profondeur et la réflexion proposée, d’autres pointent des limites, notamment dans la gestion des enjeux féministes. Le débat public rejoint les divisions internes au film, entre partisans d’une approche subtile et ceux souhaitant un engagement plus tranché. Au-delà de sa dimension narrative, « L’Objet du délit » devient une contribution essentielle au questionnement sur les rapports de genre et de pouvoir dans la culture classique, mettant en lumière la nécessité d’une réforme en profondeur des institutions lyriques. Par son audace et son authenticité, il invite spectateurs et professionnels à poursuivre la réflexion bien après la représentation. Héritage et perspectives Dans un contexte de révélations récurrentes concernant les abus dans le monde de la musique classique, Jaoui éclaire par cette œuvre la fracture entre tradition et modernité. Le film encourage un dialogue ouvert sur la justice, la confiance perdue et la possibilité de création collective dans un monde transformé. « L’Objet du délit » s’ancre ainsi comme un jalon cinématographique important pour comprendre la mutation du spectacle vivant à l’ère post-#MeToo.

À Montréal, l’été 2026 s’annonce une fois de plus comme une période phare pour la musique symphonique, portée par la figure emblématique de Yannick Nézet-Séguin. Le 5 août, au pied du mont Royal, l’Orchestre Métropolitain offrira son concert extérieur gratuit annuel, dirigé par ce chef d’orchestre québécois devenu une personnalité musicale de renommée mondiale. Plus tôt, le 24 juillet, le chef sera à Saint-Irénée, dans Charlevoix, pour un programme intitulé « Rêveries » au Domaine Forget, en compagnie du pianiste Charles Richard-Hamelin, étoile montante du piano canadien. Ces événements ne se limitent pas à de simples concerts d’été : ils témoignent d’un engagement profond du maestro depuis plus de deux décennies, visant à démocratiser la musique classique et à la rendre aussi diverse que la société contemporaine. Un parcours enraciné dans le Québec Né à Montréal en 1975, Yannick Nézet-Séguin a grandi dans un environnement principalement tourné vers les passions traditionnelles québécoises comme le hockey, mais très tôt, il s’est laissé captiver par la musique. Formé au Conservatoire de musique de Montréal, il devient, à seulement 25 ans, directeur musical de l’Orchestre Métropolitain. Dès ses débuts, il proclame une mission claire : rendre la musique classique accessible à tous, quelle que soit leur origine ou leur expérience préalable. Cette ambition s’inscrit dans un contexte historique où la musique classique a souvent été perçue comme élitiste et réservée à un public restreint. À travers ses choix artistiques et ses initiatives, Nézet-Séguin cherche à démystifier cette image, convaincu que ce genre musical possède une force universelle capable de toucher tout un chacun. Une programmation engagée et inclusive Au-delà des notes, l’orchestre sous sa direction se veut miroir de la diversité culturelle. Il intègre dans ses programmes des œuvres composées par des femmes, ainsi que des pièces issues des cultures autochtones, comme celles de Barbara Assiginaak, compositrice ojibwé reconnue. Cette volonté de faire dialoguer différentes traditions musicales instaure un pont entre passé et présent, entre différentes communautés. Par exemple, les saisons ouvrent souvent avec des compositions autochtones, affirmant une place légitime à ces voix souvent marginalisées dans le monde classique. Cette démarche, loin d’être simplement symbolique, représente un engagement concret vers une société plus inclusive. À l’échelle nord-américaine et internationale Le souci d’ouverture de Nézet-Séguin dépasse largement le cadre montréalais. Depuis 2012, à la tête de l’Orchestre de Philadelphie, il promeut régulièrement de jeunes compositeurs et compositrices de diverses origines. Au Metropolitan Opera de New York, ses programmes reflètent également une diversité croissante dans les distributions et équipes artistiques, illustrant un secteur en pleine mutation. Cette trajectoire internationale donne au chef une plateforme pour défendre des causes artistiques et sociales, mettant en lumière des talents longtemps sous-représentés et questionnant les normes traditionnelles du milieu classique. Un rôle public mesuré mais engagé Si Yannick Nézet-Séguin est conscient des débats entourant l’implication politique des artistes, il estime cependant qu’il est important de ne pas fermer les yeux sur les injustices sociales. Se sentant parfois plus libre, par son identité canadienne, de s’exprimer sur ces enjeux, il s’efforce de conjuguer son rôle d’artiste et de citoyen avec une certaine mesure et responsabilité. Sa pratique artistique reflète cette attention, par exemple par une programmation qui questionne et élargit les perspectives du public, contribuant ainsi à une réflexion collective plus large. L’été 2026 : une symbiose entre accessibilité et exigence artistique Le programme « Rêveries » au Domaine Forget réunit l’Orchestre Métropolitain et le pianiste Charles Richard-Hamelin pour une exploration du répertoire romantique, notamment Brahms, dans un cadre intimiste. Ce choix artistique vise à séduire les connaisseurs tout en restant accessible à un public plus large. Au pied du mont Royal, les concerts gratuits attirent des milliers de spectateurs, enfants, adolescents et aînés confondus. Ces rendez-vous incarnent la philosophie de Nézet-Séguin : la musique classique est un langage universel qui doit pouvoir rassembler toutes les générations et toutes les origines. Une mission en constante évolution Au fil des années, la carrière du chef a pris une ampleur internationale, ponctuée de collaborations prestigieuses et de distinctions, notamment plusieurs Grammy Awards avec l’Orchestre de Philadelphie. Pourtant, l’attachement à Montréal et à l’Orchestre Métropolitain reste intact, symbolisé par un contrat à vie et un calendrier régulier de concerts dans sa ville natale. En regardant vers l’avenir, Yannick Nézet-Séguin espère que le monde symphonique continuera de s’ouvrir et de se diversifier. Son optimisme réside dans l’action concrète : une programmation innovante, une pédagogie engagée et une présence de terrain inébranlable pour que la musique classique devienne réellement un bien commun accessible à tous.

À Paris, l’Opéra-Comique s’apprête à vivre une saison 2026-2027 hors normes. À partir de l’été 2026 et jusqu’en septembre 2027, la Salle Favart fermera ses portes au public pour un vaste chantier de modernisation de la cage de scène, du plateau et des dessous de scène. Cette fermeture d’un an, bien que contraignante, ne sera pas synonyme de pause artistique. Sous l’impulsion de son directeur Louis Langrée, arrivé en 2021, la maison choisit plutôt d’embrasser cette période comme une opportunité d’innovation et de dialogue renouvelé avec le public. Un chantier essentiel pour une modernisation technique Les travaux programmés s’inscrivent dans une démarche de préservation et d’adaptation. La Salle Favart, joyau historique bâti à la fin du XVIIIe siècle, nécessite une mise à niveau de ses installations techniques, notamment les cintres, les automatismes pour les décors, ainsi que les espaces en coulisses. Financés en grande partie par l’État, ces travaux permettront d’accueillir à l’avenir des productions plus ambitieuses tout en respectant l’identité patrimoniale du lieu. Depuis le début des années 2010, l’Opéra-Comique poursuit un vaste programme de rénovations qui vise à conjuguer tradition et modernité. Cette dynamique a déjà transformé certains aspects du théâtre, mais la maison souligne que la modernisation des machines scéniques est une étape décisive pour garantir la qualité et la sécurité des représentations futures. Une saison hors-les-murs : un laboratoire itinérant Cette année de travaux donne lieu à une saison entièrement repensée, qualifiée « d’audacieuse et joyeuse » par Louis Langrée. L’Opéra-Comique investit pour cela divers espaces de Paris, de l’Île-de-France, et même au-delà, avec une programmation multifacette conçue pour prolonger l’esprit de Favart hors de ses murs historiques. Les premiers rendez-vous restent dans le foyer de la salle Fantastique, accessible jusqu'en janvier 2027 et dédié aux formes courtes et expérimentales. Plus de soixante spectacles courts y seront proposés, très accessibles grâce à un tarif unique de 10 euros, principalement portés par l’Académie de l’Opéra-Comique. Cette structure pédagogique forme les artistes de demain – chanteurs, instrumentistes, techniciens – et ce cadre restreint favorise une intimité renouvelée avec un public en quête de découvertes. Projets lyriques dans des lieux insolites Le cœur de la saison s’exprime cependant à travers six grandes productions dispersées dans des lieux inédits : Zaïde ou le chemin de lumière, dirigé par Raphaël Pichon et son ensemble Pygmalion, propose un voyage autour du singspiel inachevé de Mozart. Programmé dans le hall Eiffel du lycée Carnot, cette mise en scène symbolique reflète un dialogue entre patrimoine architectural et innovation artistique, tout en visant un public jeune et scolaire. Carmen, dans une forme déambulatoire signée Jeanne Desoubeaux, promène le public dans le 4e arrondissement de Paris. Cet "opéra-paysage" fusionne représentation lyrique et espace urbain, intégrant habitants et passants dans une expérience immersive originale. Le Théâtre de Gennevilliers (T2G) accueillera un diptyque contemporain couplant L’Histoire du soldat de Stravinsky et Into the Little Hill de George Benjamin, dirigé par la cheffe Lucie Leguay. Ce choix témoigne de l’intérêt de la maison pour le répertoire moderne et son engagement avec les scènes de banlieue. La grande création Heaven & Hell de Pascal Dusapin, sous la verrière du Grand Palais, rassemblera près de 200 artistes dans un spectacle chorale monumental, mêlant espaces d'expositions et formes musicales inédites. La mise en scène immersive de Netia Jones promet une expérience sensorielle unique. Enfin, la tournée La fabuleuse histoire de l’Opéra-Comique mettra en lumière l’héritage riche de l’institution à travers seize villes françaises, témoignant d’une stratégie volontariste de diffusion et maillage territorial. Valoriser les métiers de l’ombre au cœur de la transformation Au-delà des représentations, cette saison met aussi en lumière les arts techniques et artisanaux souvent invisibles du grand public. La chorégraphe et anthropologue Sylvie Balestra proposera une conférence dansée sur le métier des cintriers, ces techniciens des cintres dont les gestes précis subissent une mutation radicale avec l’automatisation des équipements. Ce regard mêlant patrimoine industriel et performance artistique souligne l’importance de préserver la mémoire descriptive de ces savoir-faire uniques. L’enjeu d’un renouvellement identitaire et de nouvelles collaborations Cette saison hors-les-murs pose la question de la mobilité d’un théâtre centenaire dans une époque où les modes de consommation culturelle changent rapidement. Louis Langrée souhaite que l’Opéra-Comique « souffle son esprit » au-delà du boulevard des Italiens, en créant des liens étroits avec des établissements scolaires, d’autres scènes nationales, et en touchant des publics jusqu’ici éloignés du genre lyrique. Ce pari est audacieux : maintenir la qualité artistique tout en adaptant la forme et les lieux de représentation, sans diluer l’identité d’une maison au rayonnement historique. L’année 2026-2027 sera une expérience capitale qui pourrait dessiner les contours d’une institution plus ouverte, dynamique, et innovante sans renier son passé. Si le retour à la Salle Favart à l’automne 2027 marquera la fin des travaux, il pourrait aussi initier une nouvelle ère, où mobilité et collaboration rejoignent tradition au service d’une expérience artistique renouvelée et accessible. Par cette stratégie inventive, l’Opéra-Comique illustre la capacité d’une institution patrimoniale à se réinventer à partir de contraintes techniques, offrant au public une saison riche en découvertes et en propositions inédites.

Au printemps 2026, Paris célèbre une double actualité culturelle signée par Florent Siaud, metteur en scène franco-québécois dont la démarche artistique conjuguant théâtre et opéra trouve une résonance particulière en cette saison. Sa mise en scène de « Lumières, lumières, lumières », adaptation de « Vers le phare » de Virginia Woolf par Evelyne de la Chenelière, prend place au Studio-Théâtre de la Comédie-Française du 13 mai au 28 juin 2026, tandis que sa relecture de « L’Enlèvement au sérail » de Mozart, sous la direction de Laurence Equilbey, s’impose au Théâtre des Champs-Élysées du 3 au 12 juin. Un metteur en scène au carrefour des disciplines Né au Québec, Florent Siaud incarne une figure montante du théâtre et de l'opéra contemporains grâce à un parcours marqué par un solide bagage académique — normalien, agrégé de lettres modernes, docteur en études théâtrales — et une expérience artistique riche. Fondateur de la compagnie franco-québécoise Les songes turbulents, il se distingue par un travail à la frontière entre texte et musique, privilégiant une dramaturgie fine qui interroge la mémoire, le désir et les dynamiques de pouvoir. « Lumières, lumières, lumières » : une conversation féminine en écho à Woolf Au Studio-Théâtre, la pièce d’Evelyne de la Chenelière plonge le spectateur dans l’intimité de deux personnages féminins emblématiques, Madame Ramsay et Lily Briscoe, incarnées par Florence Viala et Aymeline Alix. Cette adaptation resserrée met l’accent sur la tension entre rôle social et quête d'indépendance, conséquence directe des préoccupations de Woolf sur le flux de conscience et la nature fragmentaire du souvenir. Face à un espace scénique minimaliste conçu par Romain Fabre, le spectacle devient lieu mental où mouvements subtils, éclairages maîtrisés et silences élaborent un théâtre intérieur. Chaque élément, de l'éclairage à la sonorisation, pointe la complexité psychologique des personnages, témoignant d’une mise en scène qui transcende la simple transcription littéraire pour révéler un questionnement universel sur la place de la femme dans la société. Contextualisation historique et réception critique Virginia Woolf, figure majeure du modernisme anglais, s’illustre dans « Vers le phare » par sa capacité à saisir les nuances du temps et de la mémoire. La pièce d’Evelyne de la Chenelière enrichit ce thème en plaçant au centre une double voix féminine, creuset de réflexions sur le féminisme et la création artistique. La critique, notamment Le Théâtre du Blog et L’Officiel des spectacles, souligne la réussite de cette transposition scénique qui conserve la complexité du roman tout en le rendant accessible aux spectateurs contemporains. Les soutiens institutionnels nombreux illustrent également le rôle clé que jouent ces coproductions transatlantiques dans la vitalité culturelle franco-québécoise. « L’Enlèvement au sérail » : revisiter Mozart à l’heure du questionnement orientaliste L’opéra de Mozart, interprété par Insula orchestra et le chœur Accentus sous la baguette de Laurence Equilbey, bénéficie d'une mise en scène par Florent Siaud qui détourne le traditionnel exotisme pour interroger la notion de pouvoir et de liberté intérieure. La scénographie imaginée s'apparente à un « sérail laboratoire », un espace mental traversé par les désirs et angoisses de ses protagonistes. La soprano Jessica Pratt et le ténor Amitai Pati incarnent Konstanze et Belmonte dans une distribution saluée pour sa qualité vocale et dramatique. La production met ainsi en lumière le caractère complexe de ce singspiel viennois, oscillant entre légèreté comique et sous-courants de violence. L’héritage artistique et la portée contemporaine Ce choix de Florent Siaud de puiser à la fois dans le théâtre intime et dans l’opéra spectaculaire témoigne d’une volonté de dialogue entre genres, toujours au service d’une exploration profonde des rapports humains. L’approche du metteur en scène, nourrie notamment par l'exemple de Patrice Chéreau, s’attache à faire émerger la dimension politique et émotionnelle des œuvres, refusant le spectacle dénué de substance. Le traitement de « L’Enlèvement au sérail » aborde les questions actuelles de l'orientalisme et du regard sur l'autre, dépassant les clichés pour proposer une réflexion sur la construction des identités et les formes d’émancipation possibles. Cette démarche trouve un écho dans la continuité de la programmation lyrique de Laurence Equilbey, ainsi que dans la critique culturelle contemporaine, à l'image de l'article du magazine Classica. Un printemps symbolique entre mémoire et liberté Le double événement parisien offre une occasion rare d’apprécier le talent de Florent Siaud dans deux registres complémentaires, et d’observer la manière dont ses créations résonnent avec des enjeux sociétaux contemporains. Alors que « Lumières, lumières, lumières » poursuit sa tournée au-delà des frontières françaises, notamment au Québec, et que « L’Enlèvement au sérail » enrichit le panorama lyrique parisien d’une lecture engagée, ces propositions soulignent la richesse des échanges culturels franco-québécois et la vitalité d’un metteur en scène au regard acéré.

À Clermont-Ferrand, l'annonce de la saison 2026-2027 de Clermont Auvergne Opéra, baptisée « Gemmes », marque un tournant ambitieux dans la vie culturelle et lyrique de la région. Cette programmation, qui s'étend d'avril 2026 au printemps 2027, met en lumière un opéra vivant, accessible et à dimension humaine sur le territoire clermontois. Un écrin pour la voix, joyau de la saison Inspirée par la conception de la voix comme une pierre précieuse façonnée avec patience et passion, la directrice Ève Coquart présente cette saison comme un « écrin de voix, d’œuvres, d’artistes et de moments précieux ». Fidèle à cette métaphore, « Gemmes » fait la part belle à des œuvres majeures du répertoire lyrique, sélectionnées pour leur éclat intemporel et la richesse de leur interprétation. Hommage aux classiques et ouverture aux formes innovantes La saison repose sur une programmation équilibrée entre chefs-d'œuvre classiques et propositions contemporaines. Parmi les œuvres phares, Fidelio de Beethoven occupe une place centrale, cette unique incursion du compositeur dans l'opéra traduisant des thèmes universels de liberté et de résistance. L'incontournable Orfeo de Monteverdi rappelle l'origine même de cet art, tandis que Le Barbier de Séville de Rossini est proposé dans une version bilingue mêlant dialogues en français et airs en italien, une adaptation qui aspire à rendre l'œuvre plus accessible et vivante pour le public local. Une proposition originale s'inscrit également dans cette saison : une version dansée du Requiem de Mozart, alliant musique sacrée et chorégraphie, offrant une expérience sensorielle renouvelée. Ce dialogue inédit entre les arts témoigne de la volonté de l'institution d'élargir les horizons lyriques, mêlant tradition et modernité. Le Concours international de chant : une fenêtre sur les voix de demain Le retour du Concours international de chant souligne l'engagement de Clermont Auvergne Opéra pour la détection et la promotion des jeunes talents. Véritable « pierre angulaire » de la maison, cet événement réunit des artistes venus du monde entier et offre au public une occasion unique de découvrir des voix en devenir, tout en ancrant l'opéra dans la vie quotidienne grâce à l'accueil des candidats par des familles locales. Le jeune public au cœur des attentions avec Lyrik’Ô Folies Sous le signe de la transmission et de l'ouverture, la saison innove avec Lyrik’Ô Folies, un festival d'opéra dédié à la jeunesse. Destiné à faire découvrir l'art lyrique dès le plus jeune âge, il propose jusqu'à mars 2027 des spectacles et ateliers adaptés à tous, de la petite enfance aux préadolescents. Les spectacles comme Diva Syndicat et ImagOri illustrent la richesse de cette programmation, mêlant voix, danse et formes artistiques variées – allant du hip-hop poétique à la scénographie innovante des origamis. L’opéra décentralisé et socialement engagé Avec « Opéra Déconfiné », Clermont Auvergne Opéra affirme son ancrage territorial et social, en installant une scène itinérante dans les quartiers populaires de la ville. Cette initiative, gratuite et délocalisée, offre une porte d'entrée conviviale et sans barrières vers le chant lyrique, déstigmatisant un genre parfois perçu comme élitiste. La création d'un chœur citoyen, ouvert à tous niveaux, démontre également cette volonté de participation et d'inclusion, symbole d'une danse culturelle collective et démocratisée. Un réseau régional pour renforcer la dynamique lyrique Clermont Auvergne Opéra poursuit ses collaborations avec d'autres institutions régionales, s'inscrivant dans le réseau Or Massif pour favoriser résidences, coproductions et émergence de talents. Cette synergie inter-régionale, associée à des partenariats avec des festivals, salles de concerts et institutions culturelles diversifiées, tend à enrichir la scène locale par une multiplicité de styles : opérettes, musiques actuelles, médiévales et cabaret y partagent l'affiche, reflétant la porosité entre genres et espaces artistiques. Des modalités pratiques adaptées et une expérience enrichie Les abonnements flexibles, proposés à partir de trois spectacles, facilitent l'accès à l'opéra pour un large public. Une billetterie étendue, en ligne et physique, complète cette accessibilité, tandis que des réductions et avantages pour abonnés témoignent d'une politique culturelle inclusive. Le club de mécènes Lyrica, quant à lui, invite les amateurs les plus engagés à vivre l'opéra en avant-première, confortant une communauté fidèle et passionnée. Une saison qui conjugue héritage et renouvellement « Gemmes » incarne une ambition claire : renforcer la place de Clermont-Ferrand parmi les villes lyriques incontournables en France. Dans un équilibre subtil entre exigence artistique et ouverture populaire, cette programmation souligne l'importance de la transmission et de la réinvention des patrimoines culturels, adaptant l'opéra aux attentes et pratiques nouvelles des publics contemporains. Grâce à l'implication des élus, des artistes et de la communauté, la saison 2026-2027 promet d'être un temps fort au rayonnement renouvelé, vibrant au rythme d'instants musicaux précieux et partagés. Pour plus d’informations et billetterie : clermont-auvergne-opera.com

Aveugle dès l’enfance, Maria Teresa von Paradis devient pourtant l’une des pianistes les plus admirées de la Vienne du XVIIIe siècle. Elle éblouit les salons, compose grâce à une partition en relief et voit sa vie basculer quand le magnétiseur Anton Mesmer lui rend brièvement la vue… au prix de sa virtuosité. Conseillée par Mozart, qui écrit pour elle un concerto, elle part en tournée et triomphe jusqu’à Paris. Elle meurt en 1824, après avoir fondé une école et laissé une œuvre en grande partie perdue.